domingo, 31 de enero de 2021

Reseña Película: F/X (1986)

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Título original: F/X: Murder by Illusion
Año: 1986
Duración: 108 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Robert Mandel
Guión: Gregory Fleeman, Robert T. Megginson
Con: Bryan Brown, Brian Dennehy, Diane Venora, Cliff De Young, Jerry Orbach
Grado: B+
Reseña: Hugo C

Alerta ochentoso: el tema de títulos de cierre de esta película es "Just an Illusion", del grupo Imagination. Con eso les digo todo.

Vi esta película en el momento de su estreno, en un cine de la calle Lavalle, en Buenos Aires, creo que era el Ocean, que estaba frente al glorioso Palacio de la Papa Frita ("donde siempre son las 12 para comer"). ¿Quedará algún cine en esa calle al que no hayan convertido en templo evangélico? Lo dudo. Pero en 1986 –hace ya 35 años– Lavalle era la "calle de los cines" y las salas solían tener nombres exuberantes: Monumental, Atlas, Iguazú… En fin. Vamos con la reseña, amigos.

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Rollie Tyler es un técnico de efectos especiales. Trabaja mayormente en películas de clase B, le gusta su trabajo y lo hace bien. Su novia es una actriz desconocida pero con aspiraciones y su vida es como la de cualquiera de nosotros, o mejor dicho, como lo sería si uno fuese un técnico de efectos especiales que trabaja mayormente en películas de clase B, le gusta su trabajo y lo hace bien y tiene una novia que es una actriz desconocida pero con aspiraciones. Pero bueno, lo importante es que Tyler es un tipo común y corriente, no es John Wick ni mucho menos.

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Un día Tyler recibe un encargo de una agencia del gobierno: "matar" a un testigo clave en un juicio contra la Mafia. Por si las comillas no son lo suficientemente explícitas, la muerte del testigo va a ser de mentiritas. La idea es que los mafiosos lo den por muerto y pueda declarar en paz. Para alguien con los conocimientos de Tyler sería un trabajo más: una pistola con balas de fogueo, un chaleco con sangre falsa, en fin, lo que hemos visto en decenas de películas.

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Tyler hace lo que cualquier espectador que estuviese en sus zapatos hubiese hecho: rechaza el encargo de plano, y les dice algo así como: ¡Ni a palos!, aunque en su idioma natal y con el acento australiano que lo caracteriza. Los federales le dicen que está bien, lo entienden, y ahora váyase que vamos a llamar a su colega Juan de los Palotes para que haga el trabajo. Al oír el nombre de Juan de los Palotes, Tyler siente un arranque de celos profesionales y acepta. No hace falta ser Horangel para pronosticar que las cosas no saldrán exactamente según lo previsto y Tyler tendrá que aplicar sus conocimientos para salvar lo que queda de su vida. Eso sí, quien la sacó baratísima es Juan de los Palotes, que no tuvo que involucrarse en el asunto. Supongo que se habrá ido a comer unos alfajores, o algo así.

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F/X es una película chiquita pero efectiva, bien hecha, redondita, que no hace agua por ningún lado. Cero CGI, todo artesanal, y por eso mismo es casi un documental sobre cómo eran los efectos especiales por aquel entonces. (El asesor de efectos en la película es nada menos que John Stears, que participó en más de media docena de películas de James Bond y ganó sendos premios Oscar por su trabajo en Thunderball y Star Wars.) La música es de Bill Conti, quien diez años antes había musicalizado a Rocky, ganadora del Oscar por mejor película.

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La historia no es demasiado original –es básicamente un telefilme llevado a la pantalla grande–, pero hace hincapíé en cómo Tyler se las rebusca usando su bolsa de trucos sin forzar demasiado la lógica de la situación. Él no es MacGyver, que te arma una bomba atómica con un envoltorio de goma de mascar y la pulpa de dos naranjas, sino alguien que conoce su oficio y le saca provecho. Lo que levanta el puntaje de F/X es el elenco, que no tiene ninguna superestrella pero es más que competente, y si uno se aburre, puede jugar a reconocer dónde vio antes a cada uno de los actores.
- ¿Ése no era el cantinero que revoleaba la coctelera en esa película con Tom Cruise?
- Al pelado lo vi en una de Schwarzenegger.
- ¡Epa! ¡Ése es el comisario de la primera de Rambo!
- Me parece que el mafioso es el mismo actor que hacía de detective en La ley y el orden.

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F/X no fue un éxito absoluto de taquilla pero hizo 20 millones de dólares con un presupuesto de 10. Después hubo una secuela, no tan buena, y una serie de TV realmente abominable, pero esta película, la original, aún hoy se deja disfrutar sin problemas.

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Las extraordinarias aventuras de Adèle Blanc-Sec (Integral)

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Hugo C nos trae esta vez un integral en tres tomos de un clásico de Jacques Tardi.

Principios del siglo XX. Un tiempo en el que ciencia y mística caminan cogidas de la mano, en busca de un futuro mejor para la humanidad… y también del poder absoluto.

Las extraordinarias aventuras de Adéle Blanc-Sec es una serie de historietas creada por el artista francés Jacques Tardi. Sus dos primeros relatos fueron publicados en álbumes en 1976 por Casterman, siendo continuada en el semanario francés À Suivre a partir de 1980. En 2007, el semanario francés Télérama prepublicó la novena y última aventura de Adèle Blanc-Sec, El laberinto infernal.

Tal como lo indica el título, el personaje principal de la serie es Adèle Blanc-Sec, una escritora parisina cuyas aventuras se desarrollan entre 1911 y 1922. Adèle es una mujer atractiva e inteligente que no deja de buscarse problemas y enemigos. A pesar de que es vigilada por la policía, logra escapar de posibles investigaciones porque amenaza con difundir algunas revelaciones acerca de casos polémicos.

Entre sus adversarios se encuentran científicos locos y policías. Asimismo es una mujer muy curiosa que nunca vacila en acudir a citas peligrosas y sospechosas, y así es que a menudo termina encontrándose con lo inusual y extraño, como, por ejemplo, monstruos prehistóricos, una secta desaparecida y un surtido surreal de individuos por lo general poco recomendables.

El tomo 1 contiene:

1. Adèle y la bestia
2. El demonio de la torre Eiffel
3. El sabio loco
4. Momias enloquecidas
El tomo 2 contiene:
5. El secreto de la salamandra
6. El ahogado de dos cabezas
7. Todos monstruos
8. El misterio de las profundidades
El tomo 3 contiene:
9. El laberinto infernal
y las historias:
Adiós Brindavoine
La flor en el fusil
El demonio de los hielos

Nota: en el blog está Adele Blanc-Sec pero son los tomos sueltos y falta el contenido del tomo 3.

Idioma: Español
Editorial: Norma
Año: 2010-12
Guion y dibujo: Jacques Tardi
Escaneadores: Mayoneso, jbabylon5 (CRG)
Archivos: 3
Formato: CBR

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sábado, 30 de enero de 2021

Reseña Cómic: Esta máquina mata fascistas

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Título original: Cette machine tue les fascistes
Editorial: Norma
Año: 2016
Guion: Jean-Pierre Pécau
Dibujo: Senad Mavric
Color: Scarlett
Grado: B+
Reseña: Hugo C

El protagonista de esta historia es un tanque. No se trata de un tanque embrujado como el de la vieja serie de la DC, ni es animado como los autitos de Cars. Se trata de un IS-2, una máquina de guerra cuyo único propósito es matar, o en todo caso, amedrentar.

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Por lo tanto, éste es un cómic violento. No con la violencia de pacotilla de la serie de TV de Batman de los años 60 sino con la violencia de la vida real, ya que la guerra no es un episodio del Equipo A, en el que se disparan cuatrocientos tiros por segundo y nadie recibe ni un raspón. La guerra mata, y duele, y mutila, y hambrea, y todo eso se muestra en este cómic en el que los muñequitos mueren a diestra y siniestra, pero no como en los tebeos de esa fantochada que fue la muerte de Superman, que después te lo traían de regreso de la tumba y aquí no ha pasado nada. Esta máquina mata fascistas no es una lectura fácil si nos detenemos a pensar que estos muñequitos de papel reproducen situaciones de la vida real, y que, más allá de las licencias literarias, la pobre gente que muere en estas páginas ha existido, ha sido el hijo de alguien, la hermana de alguien, el amigo o la novia de alguien y ha sufrido muertes tanto o más absurdas, crueles, dolorosas que las que muestra este álbum.

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El dibujo de Mavric repite los lugares comunes de la escuela franco-belga, es fungible y austero, sin estridencias pero con el ojo puesto en el detalle, especialmente en lo referido al material de guerra. La figura humana no es su fuerte, pero al menos no comete demasiados desaguisados y si uno no se pone en exquisito, esto no obstaculiza la lectura. El diseño de las páginas evita los puntos de vista sensacionalistas y otros golpes de efecto a los que nos tienen acostumbrados los cómics de superhéroes.

Como dije al principio, el protagonista es un tanque. Lo vemos desde su entrada en escena en una fábrica rusa hasta su abandono final en el desierto afgano. Entre estos dos puntos el tanque viaja por el mundo y van sucediendo algunas cosas, que se nos muestran como saltos en el tiempo. Esta máquina mata fascistas no es un documental, y no se propone hacer las veces de libro de texto; quien desconozca la historia –la que muchos de nosotros hemos oído de boca de padres o abuelos– haría bien en informarse un poco antes o después de leer (o releer) este cómic.

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Los secundarios, los que alimentan a la bestia y la acompañan, son varios, y nadie garantiza que lleguen con vida a la próxima página, ni siquiera a la próxima viñeta. Nadie está a salvo, y dentro de las limitaciones lógicas –es un álbum de 80 páginas, no una miniserie– Pécau se toma el trabajo de tratar de darles carnadura a los soldaditos que van a la muerte, porque el gran problema que como lectores le planteamos a quien nos quiera contar una historia tal es que estamos encallecidos con tanta muerte simulada de Hollywood –en incontables westerns, películas de guerra, de artes marciales o incluso de horror– o con tanto cómic de zombis y monstruos y crisis galácticas que destruyen y reconstruyen universos sin sudar demasiado.

Por otro lado, hay un secundario más prominente que el resto, que además es quien tiene la historia más interesante: el ingeniero ruso que diseñó el IS-2, que estuvo en Stalingrado –uno de los episodios más atroces de la Segunda Guerra– y construye una máquina de venganza, que espera ingenuamente –con una ingenuidad feroz– que lo vengue a él y a los que ha perdido a causa de la guerra. Por supuesto que las cosas, en la vida real, nunca son tan fáciles.

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Esta máquina mata fascistas es un cómic sin zombis, superhéroes o chicas orientales con poderes mágicos, que vale la pena leer.

En el blog:

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Mara

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Hugo C nos trae otro cómic con el inconfundible estilo de Enric Sió.

Mara es una serie de historias realizadas por Enric Sió (1942-1998) entre 1970 y 1975 y publicada a partir del año siguiente en diversas revistas, mayormente en Italia. En 1980 Nueva Frontera recopiló la serie en un álbum, con una introducción a cargo del cineasta Carlos Saura. En este álbum se pueden apreciar sus continuas búsquedas gráficas, acercándose a diversos movimientos estilísticos del siglo que le tocó vivir, desde el art-noveau al expresionismo.

Pero Mara es mucho más que una exhibición de destreza del dibujante. Sus guiones no estuvieron puestos solo al servicio de su arte, sino, fundamentalmente, para reflejar, a través de un lenguaje tan rebuscado y simbólico como su grafismo, su propia percepción de la sociedad que le rodeaba. Para el crítico Javier Coma, Mara funciona como exorcismo para el propio autor, tanto del pasado de su patria como de su profesión de dibujante de cómics.

Sió ha sido uno de los más importantes autores de cómic adulto en su país. Recibió numerosos reconocimientos y premios a lo largo de su carrera entre los que destacan el Lucca en 1969, Yellow Kid en 1971, el European lllustration 1977 y galardones en las ferias de Treviso y Toulouse.

Idioma: Español
Editorial: Nueva Frontera
Año: 1980
Guion y dibujo: Enric Sió
Escaneador: Blue Diamond (CRG)
Archivos: 1
Formato: CBR

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viernes, 29 de enero de 2021

Reseña Cómics: Jack el destripador

Reseña Cómics: Jack el destripador

Editorial: Soleil
Año: 2015
Guion: François Debois
Dibujo: Jean-Charles Poupard
Reseña: Kal-El
Corrector: Johnny Von Cher

9 de noviembre de 1888, Whitechapel, Londres, último día de los asesinatos del Destripador. Durante casi cuatro meses la ciudad vivió en un constante clima de pánico y terror ante unos asesinatos en los que no solo la crueldad asustaba a la población, sino más la falta de un por qué ante un derramamiento de sangre sin motivo alguno, el cuál parecía responder únicamente al más vil de los placeres.

La policía se veía desbordada, de hecho la ciudad vivía una situación precaria en torno a su seguridad, con escasez de medios ante una inmigración masiva, en su mayoría de Europa del este, lo que originaba grandes tensiones raciales (al mes podía haber más de 200 "incidentes", entre peleas, asesinatos, etc... ). Así, el asesino nunca fue capturado ni hubo un sospechoso claro y la realidad se tornó en leyenda negra. En esta serie, sus autores echan mano de diversos elementos históricos: el inspector Abberline, toda la información sobre los asesinatos, personajes, lugares y momentos para mezclarlos con suposiciones e imaginación para trazar un relato en el que se nos ofrece un dónde, cuándo y lo que es más importante un quién de todo ese sinsentido.

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Citas:

«El barrio era un laberinto y ahora, tenía un minotauro.»

En la serie de libros editados por Martínez Roca durante los años 80 (esos gloriosos años), los premios Hugo, el prologuista Isaac Asimov utiliza un par de frases que sirven de soporte cuando estoy leyendo, no importa qué: el periódico, un libro, un cómic.

Para hablar del contenido del libro dice: «El mundo dentro de la realidad» y habla acerca de los autores, su vida, la relación con él, si es que existe y principalmente del trabajo del escritor, ese cuento que estamos a punto de leer.

La otra frases es «El mundo fuera de la realidad» y nos habla de cuestiones políticas, económicas, sociales y/o de deportes, que en ese año de la primera edición del libro estaban ocurriendo, de tal manera que estabas en el punto exacto para «entender» el viaje que estabas a punto de emprender.

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«En el mundo fuera de la realidad.»

El cómic nos habla de tiempos difíciles: la vida en el East End de Londres, Whitechapel. Lugar donde la mala vida campea a sus anchas: prostitución, alcoholismo, chulos y abusivos son la gente que «vivía» aquí. Y nada fácil porque conseguir una cama por una sola noche, la actual, era el objetivo que buscabas cubrir desde las primeras horas del día.

La policía es mal vista: no es quien te cuida, que no hay nada que cuidar. Es el martillo que cae para golpear tu cabeza contra el yunque. El evento del Domingo Sangriento ocurre el 13 de noviembre de 1887, a raíz de una manifestación de 10 000 personas, en su mayoría socialistas y desempleados son atacados por 2 000 policías y 400 soldados dejando un saldo de dos muertos y cientos de heridos.

 

Frederick George Abberline: Fue un relojero que abandono su casa para irse a Londres. Era un hombre modesto, afable y honrado, tan fiable como los relojes que reparaba antes de ingresar en la Policía Metropolitana en 1863. Durante sus treinta años de servicio ganó ochenta menciones de honor y premios de jueces, de magistrados y del propio Jefe de la policía. Tras el asesinato de Mary Ann Nichols el 31 de agosto de 1888, Abberline fue enviado a Whitechapel debido a su experiencia en el área, y allí fue puesto al mando de varios detectives que investigaron los crímenes del Destripador. En tiempos recientes se llegó al extremo de barajarse la posibilidad de que este hombre –en una suerte de desdoblamiento de su personalidad al estilo del Dr. Jekyll y Mr. Hyde– no fuera otro sino el mismísimo Jack el Destripador.

John Pizer: A quien la prensa contemporánea bautizó “Mandil de Cuero”, fue un zapatero pobre de origen judío polaco que trabajaba en el distrito de Whitechapel, al este de Londres. El 10 de septiembre de 1888 se lo detuvo y fue llevado a juicio bajo el cargo de ser el asesino de prostitutas que asolaba esa zona.

Jean-Martin Charcot: Fue un neurólogo francés, profesor de anatomía patológica, titular de la cátedra de enfermedades del sistema nervioso y miembro de la Académie de médecine (1873) y de la Académie des Sciences (1883).

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«En el mundo dentro de la realidad.»

Caminamos por las estrechas, malolientes y miserables calles, que no pierden su esencia sin importar la hora del día en que las viñetas nos muestran las escenas.

El dibujo es un arte, ni que decir del entintado. Y dónde vas a poder disfrutar de esta combinación es en las grandes esquelas que muestran la vida económica de la capital: atestado de carruajes jalados por caballos con gente que viaja colgada, hasta tres carriles en una calle ancha, gente caminando tanto arriba como abajo de las banquetas, mientras que los niños venden periódicos y los establecimientos gritan sus productos. En cuanto a los interiores, los juegos de luces y sombras, junto con personajes mal encarados, te enteras que estas en un juego peligroso.

El primer tomo de la historia nos lleva a conocer al héroe (sin capa) Abberline, lo suficientemente joven como para enfrentarse solo a la gente mal encarada del barrio y salir airoso de tales batallas, aunque en alguna que otra ocasión corre con la suerte de que la policía llegue a tiempo. La búsqueda incesante de respuesta, permite conocer a parte de su familia, que tiene mucho que ver los trágicos acontecimientos que están sucediendo. Se le crea un historia de infancia que te permite, como lector, hacer contacto con el personaje.

Como inspector del caso, sirve de pretexto para conocer la sociedad en la que se mueve y a la que pretende proteger: vamos al teatro; donde las pistas van cayendo (aunque todavía no sabes que son pistas) y el resto de la historia corre (igual que el protagonista por las estrechas calles) haciendo que las pistas vayan tomando forma para al final de este acto agarrarse a un clavo ardiente y que confirma la teoría de conspiración.

Para el tomo dos, y por alguna razón que desconozco, el cómic franco belga tiene una fijación por las colonias americanas del mismo tiempo: una historia que comienza en una ciudad europea poblada tiene una continuación o final en el gran despoblado de Norteamérica. Si en el primer tomo, la magnificencia del dibujo está en los espacios callejeros de la ciudad, aquí está en los espacios abiertos de Nevada o en las láminas aéreas de Londres y París. La última de ellas donde viajaremos para terminar de conocer la historia y al personaje detrás de todo: Charcot. El cómo, por qué y los medios utilizados son explicados al detalle.

Para finalmente (el final final) cerrar haciendo referencia a las primeras páginas del tomo uno, como serpiente ouróboros, cierra el ciclo y nos llega la luz de la verdad de la propuesta del cómic: la búsqueda del responsable ha acabado.

Luces estrobo en mi cabeza.

¿Quién fue Jack el Destripador? En esta obra, Tom Cullen examina las diversas teorías que circularon y aún circulan respecto al Destripador y lanza una nueva, en consonancia con todos los factores del caso. Por fin, revela los nombres de los tres sospechosos que en su época tuvo Scotland Yard, en particular la identidad del principal de ellos. Su nombre jamás se había hecho público, No era un extranjero, ni pertenecía a la clase baja. Periodista y autor de relatos criminales, Tom Cullen en esta obra no sólo ha reproducido escrupulosamente los crímenes del Destripador sino que también señala la decadencia social y las reformas emprendidas en los barrios bajos de Londres como consecuencia de los crímenes de Jack el Destripador.

La propuesta de Alan Moore para esta sangrienta historia. El que lo ha leído todo y parece ser que lo ha entendido todo, retoma al culpable de la realeza para cometer sus bajezas.

Reseña previamente publicada en El color que vino del espacio.

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Y yo, ¿por qué no tengo banana? (1982)

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Hugo C nos trae otra obra de la editorial Nueva Frontera, esta vez con una obra de Copi: Y yo, ¿por qué no tengo banana?.

Raúl Damonte, más conocido como Copi, nació en Buenos Aires en 1939. Poseía un talento precoz para el dibujo y colaboró desde adolescente haciendo caricaturas en Tribuna Popular y Tía Vicenta. En 1962 se instala en París, donde compondrá prácticamente la totalidad de su obra en francés.

Comenzó vendiendo sus dibujos en las calles de París, y luego los publicó en Twenty, Bizarre y Le Nouvel Observateur, donde creó su más famoso personaje de cómic, la mujer sentada. También colaboró en Charlie Mensuel, Linus y Hara Kiri. Otras series del autor fueron Libérett, de muy corta vida, para Libération, y el canguro Kang. Sus historietas fueron recopiladas en varios álbumes: Copi, Les poulets n'ont pas de chaise, Le dernier salon ou l'on cause, Et moi, pourquoi j'ai pas une banane?, Du cóté des violés, Les vieilles putes, La femme assise.

En el teatro debutó en 1962 como actor vinculado al Grupo Pánico, y estrenó un total de once piezas teatrales a partir de 1968 y 1987. En su faceta de escritor publicó 7 libros: L'Uruguayen (1972), Le bal des folles (1976), Une langouste pour deux (1978), La vida es un tango (1979), La cité des rats (1979), La guerre des pédés (1982), Virginia Woolf a encore frappé (1984) y L'Internationale Argentine (1987).

En 1982 recibió el Premio Konex como uno de los humoristas gráficos más importantes de la Argentina. Murió en París el 14 de diciembre de 1987, a los 48 años. Su reconocimiento, ganado en su mayoría póstumamente, llegó principalmente por sus obras teatrales, sus cuentos y sus novelas.

Idioma: Español.
Título original: Et moi, pourquoi j'ai pas une banane?
Editorial: Nueva Frontera
Año: 1982
Guion: Copi
Dibujo: Copi
Escaneador: JAOA-ARC
Archivos: 1
Formato: CBR.
Tamaño: 48.2 MB

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jueves, 28 de enero de 2021

Reseña Serie: The A-Team

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Título original: The A-Team
Año: 1983-87
País: Estados Unidos
Cadena original: NBC
Con: George Peppard, Dirk Benedict, Dwight Schultz, Mr. T
Reseña: For8ner, Hugo C

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En 1972, un comando compuesto por cuatro de los mejores hombres del ejército americano fueron encarcelados por un delito que no habían cometido. No tardaron en fugarse de la prisión en la que se encontraban recluidos y establecerse como soldados de fortuna. Fue así que durante cinco temporadas, quien tuviera un problema que nadie más pudiese solucionarle, si podía encontrarlos antes que el ejército, tal vez podría contratar a... el Equipo A.

Hugo C: ¡Epa! 1972. Eso fue hace ya casi 50 años. Supongo que a estas alturas ya se habrán jubilado. En fin, hoy hablaremos de The A-Team, conocido en España como El Equipo A, en Argentina como Brigada A y en el resto de Latinoamérica como Los Magníficos.

For8ner: Hugo, amigo, creo que el primer obstáculo que debemos enfrentar es que si alguien vio la película de 2010 sin conocer el material original, se haga un favor borrándose la memoria al estilo Men in Black. Con este aviso, quizá antes de entrar en harina, debemos hablar de la esencia de esta mítica serie de televisión. Porque para los más jóvenes creo que les resultará raro que una obra con tantos disparos consiguiera no matar a nadie ni llenar la pantalla de vísceras. Y es que este equipo, su alma, su esencia, son sin duda los miembros que lo forman ¿no te parece?

Hugo C: Así es, y no creo que la serie hubiese pasado más allá de la primera temporada de no ser por los protagonistas, que son arquetipos que ya hemos visto antes en muchas otras series –el estratega, el bribón seductor, el loco, el forzudo– pero en esta serie no eran sólo rótulos vacíos sino que eran simpáticos y queribles.

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For8ner:  A eso voy, no eran originales, pero eran únicos. El forzudo Baracus (más conocido como B.A. o en España M.A., siglas de Mala Actitud) no era especialmente grande pero esa cara de mala leche, su cresta estilo mohicano y sus míticos collares dorados son icónicos. Sumar su pánico a volar y su relación de amor/odio (más de lo segundo) con Murdock. Este era un genio que podría pilotar un avión sin alas en caso necesario. "Perro loco" Murdock era el ejemplo perfecto de esa frase que dice "de genio y de loco todos tenemos un poco". Le seguía bastante el ritmo Faceman, que en España se le nombró como "Fénix" (no me preguntes el porqué), siendo el seductor pero que no dudaba a la hora de coger un arma o ensuciarse las manos en las míticas escenas de construcción. Finalmente, el grande, el mítico, el cerebro canoso con más clase de la época era Hannibal. Un tipo que era un maestro del disfraz, con su puro que encendía al terminar cada misión junto su icónica frase "me encanta que los planes salgan bien" e igualmente sin problema para ensuciarse las manos. Pero otros muchos personajes poblaron esta serie como seguro recuerdas.

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Hugo C: En la primera temporada había una reportera, Amy Allen (Melinda Culea), que era quien se ocupaba de recabar información acerca del villano de turno –1983, cero Internet– y si bien a veces los ayudaba cuando hacía falta una mujer (por ejemplo, para hacerse pasar por la novia de uno de ellos), generalmente se mantenía al margen ya que, si bien el equipo la reconocía como su quinto miembro, era la única del grupo que no tenía pedido de captura. Pero cada vez fue apareciendo menos y eventualmente la reemplazaron con Tawnia Baker (Marla Heasley) a partir de la segunda temporada. Tawnia era otra periodista, básicamente el mismo personaje con las mismas funciones que Amy, sólo que rubia. Tawnia se casa al final de la tercera temporada y de ahí en más sólo son los cuatro. (Heasley comentó años más tarde que, si bien Peppard nunca la trató mal, desde el vamos dejó en claro que ésa no era una serie para mujeres.) Y por supuesto, estaban los militares que los perseguían sin éxito, comenzando por el coronel Lynch (Bill Lucking), que terminó reemplazado por el coronel Decker (Lance LeGault), luego por el general Fullbright (Jack Ging) y finalmente por el general Stockwell (Robert Vaughn). A mi juicio, Decker ha sido quien se la puso más difícil al equipo aunque quien se llevó el gato al agua terminó siendo Stockwell.

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For8ner: Lo de las mujeres era curioso, casualidad entre casualidades, que siempre eran mujeres atractivas y con un par de ovarios. Todas no dudaban en ser (en su capítulo correspondiente) una más del grupo además que el amigo Fénix siempre intentaba alguna cosa. Un dato curioso es que en España hay una actriz y presentadora llamada Ana Obregón que digamos... siempre ha tenido tendencia a inflar sus anécdotas. En aquella época que como bien recuerdas no había internet ella dijo que apareció en esta serie lo cual... ¡era cierto! (Hoy con una simple búsqueda en internet estaría hecho, primer capítulo de la cuarta temporada). Pero estos personajes de un solo capítulo resultaban de lo más variados, desde curas o campesinos, pasando por camareras o mecánicos (y de todas las razas...que luego dicen que la inclusión se empezó hace un año...). Y ahora, Hugo, tenemos que hablar de Frankie...

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Hugo C: Como fan, nunca le terminé de tomar cariño a Frankie Santana. No es que Eddie Vélez actuara mal, pero era, desde mi punto de vista, un agregado innecesario. Hubiera estado bien como invitado de un episodio, o incluso como recurrente, pero, sacarlo de la galera y ponerlo de fijo... fue demasiado. Ya había habido otros personajes secundarios con más chapa que Frankie y que cuanto mucho habían aparecido en uno o dos episodios, por ejemplo, la madre de Mario Baracus en "A Lease with an Option to Die" o el amigo que trabajaba de guardacoches en "Chopping Spree". De todos modos, si tenemos en cuenta que hacía ya un par de años que el grupo de actores se había escindido debido a la pelea entre Peppard y Mr. T, tiene sentido que hayan querido introducir un quinto miembro para cambiar la dinámica y tener a alguien que pudiera dirigirle la palabra a uno y otro. Pero a esas alturas el concepto mismo de la serie estaba muy gastado. Un par de chicas bonitas tiene una cervecería, o una compañía de taxis, o una pequeña granja. El pesado de turno les hace la vida imposible. Las chicas contactan a los del Equipo. Hannibal se disfraza, Face estafa a alguien y trata de ligar con una de las chicas. Hacen dormir a Mario Baracus y lo suben a un avión. Murdock dice tonteras. Mario hace volar a un villano sobre el techo de un auto. ¿Cuántas veces se puede repetir exactamente lo mismo sin aburrir? Es un milagro que la serie haya durado tanto.

For8ner: Compadre... esas dos últimas frases se aplican a tantas series de todos los tiempos que podríamos hacer una lista gigante me parece. La verdad que como todo lo exitoso lo exprimen como un limón, pero tengo que reconocer que los momentos "vamos a construir algo" eran tan alocados como variados. Con dos llaves inglesas y un destornillador te fabricaban un coche blindado y armado que ya hubiera querido para sí mismo "Mad Max". Finalmente, como bien dices, la cosa se desgastó y la leyenda de malhumorado de Peppard (Hannibal) creció. No obstante, es una serie que consiguió mucho con muy poco, gracias a los personajes y su tremendo carisma además de ser ligera y dinámica de principio a fin. Sin duda, para un servidor es una de las grandes series de los 80.

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Hugo C: Y, sí, en Argentina en su momento Brigada A fue furor. Tanto que incluso tuvimos un comercial de alfajores Terrabusi con Mr. T y Cacho Fontana, que hoy lo veo y me da vergüenza ajena... Como sea, era un producto sano, con su violencia de juguete. Mil disparos y cuanto mucho un raspón.

For8ner: Tenía yo como mucho 4 años cuando mis padres me dejaron con mis tíos unos días para ellos poder tener unas pequeñas vacaciones de 3 días. Mi madre, al volver, deseando ver a su pequeño, llegó a casa de mis tíos, me miró estirando sus brazos para achucharme y mi respuesta fue: "Hola mama, están echando el Equipo A". Y ni corto ni perezoso caminé sin mirar atrás hasta la TV, dejando un recuerdo a mi madre que a día de hoy saca a relucir ocasionalmente.

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Nota para el lector: Lo anterior no es sino una conversación entre Hugo C. y For8ner sobre su experiencia con esta serie de televisión. En caso de que este formato te guste, no dudes en dejar un comentario abajo para, en algún momento, repetir este aporte realizado a 4 manos.

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El Eternauta y otros cuentos (1979)

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Hugo C nos trae un volúmen de cuentos del dibujante Alberto Breccia (Carlos Trillo y los Breccia, Los Mitos de Cthulhu (1973), Sherlock Time).

Un volumen que recopila trabajos del gran dibujante uruguayo. Los relatos contenidos en esta edición nos aproximan a la evolución del estilo de Breccia en tres momentos significativos de su constante experimentación gráfica, el final de los 50 justo antes de Mort Cinder, el final de los sesenta y el comienzo de los setenta, una experimentación gráfica que en el caso de El Eternauta –segunda versión de la exitosa historia de 1957 reescrita para su publicación en Gente por el propio Oesterheld–, fue la excusa que los editores dieron para cancelarla antes de tiempo porque no gustaba a algunos lectores, pero que en Europa tuvo un éxito enorme tras su publicación en Linus, siendo la primera historieta latinoamericana que apareció en la revista.

Éstas son las historias que contiene el álbum:

  • La gota (1958). Guión: H. G. Oesterheld.
  • Arena... sol (1959). Guión: Jorge Mora.
  • Dr. Morgue (1957). Guión: H. G. Oesterheld.
  • Richard Long (1966). Guión: H. G. Oesterheld.
  • Miedo (1975). Guión: H. G. Oesterheld.
  • El corazón delator (1974). Guión: Alberto Breccia sobre un relato de Edgar Allan Poe.
  • La gallina degollada (1975) Guión: Carlos Trillo sobre un relato de Horacio Quiroga.
  • El Eternauta (1969). Guión: H. G. Oesterheld.

Idioma: Español.
Editorial: Nueva Frontera
Año: 1979
Guion: H. G. Oesterheld, Jorge Mora, Carlos Trillo, Alberto Breccia
Dibujo: Alberto Breccia
Escaneador: Carasucia (CRG)
Archivos: 1
Formato: CBR.
Tamaño: 55.96 MB

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miércoles, 27 de enero de 2021

Reseña Película: Goldfinger (1964)

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Título original: Goldfinger
Año: 1964
Duración: 110 min.
País: Reino Unido
Dirección: Guy Hamilton
Guión: Richard Maibaum, John Dehn
Con: Sean Connery, Gert Frobe, Honor Blackman, Cec Linder
Grado: A+
Reseña: Hugo C

Introducción

Con dos bourbons dobles en el cuerpo, James Bond estaba sentado en la sala de embarque del aeropuerto de Miami pensando acerca de la vida y la muerte.

Matar gente formaba parte de su profesión. Como eso nunca le había gustado, cuando tenía que matar a alguien, lo hacía lo mejor que sabía y luego lo olvidaba. Como agente secreto con el raro prefijo doble 0 —la licencia del Servicio Secreto para matar—, era su deber ser tan frío respecto a la muerte como un cirujano. Si sucedía, sucedía. La compasión era poco profesional; peor aún, era carcomerse el espíritu sin necesidad.

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Y, no obstante, había habido algo curiosamente impresionante en la muerte del mexicano. Y no porque no mereciera morir […] pero cuando Bond lo mató, menos de veinticuatro horas antes, la vida había escapado de aquel cuerpo con tal rapidez, tan por completo, que Bond casi la había visto salir de su boca como sale, en forma de pájaro, en las pinturas haitianas primitivas.

¡Qué diferencia tan extraordinaria existía entre un cuerpo lleno de vida y un cuerpo vacío de ella! Ahora hay alguien, ahora no lo hay.

Al inicio de la novela 007 medita sobre la vida y la muerte. A lo largo de sus páginas Bond cavila, recuerda, anticipa. La película, en cambio, piensa menos y muestra más.

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Tras el éxito de Dr. No (1962) y From Russia with Love (1963), Broccoli y Saltzman destinan la suma de 3 millones de dólares al presupuesto de una tercera película. Richard Maibaum repite como guionista e introduce algunos cambios en la trama que mejoran lo planteado en la novela. Tanto es así, que Goldfinger (1962) terminará por convertirse en el modelo a copiar durante los próximos 40 años de películas de James Bond.

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El cambio más notable consiste en el crimen en sí. En la novela, Goldfinger y sus secuaces planean entrar en el depósito de oro de Fort Knox y llevarse el metal en camiones, mientras que en la película, el plan es hacer explotar una bomba que contamine el oro con radiación, lo que multiplicará por 10 el valor de las reservas que Goldfinger ya posee.

Algunas otras diferencias:

  1. En la novela, Auric Goldfinger es un agente al servicio de SMERSH. En la película, trabaja para SPECTRE.
  2. En la novela, Bond mata a Goldfinger estrangulándolo con sus manos. En la película, Goldfinger es arrojado al vacío a causa de la despresurización de la cabina del avión.
  3. En la novela, Oddjob muere despresurizado, como lo hará Goldfinger en la película. En ésta, el coreano muere electrocutado.
  4. En la novela, James Bond es contratado por Goldfinger como secretario. En la película, Goldfinger lo mantiene con vida para no despertar las sospechas de Leiter y los agentes del FBI, quienes lo mantienen bajo estricta vigilancia.
  5. En la novela, 007 tiene su primer encuentro con Goldfinger de forma totalmente casual: un millonario lo contrata para que descubra cómo es que otro huésped del hotel lo está desplumando en el juego de naipes. El huésped resulta ser… Goldfinger. En la película, el MI6 le asigna a Bond la misión de investigar a Goldfinger en relación con una fuga de divisas.
  6. En la novela, Goldfinger ata a Bond a una sierra circular; para la película, Maibaum termina reemplazándola por un rayo láser ya que lo de la sierra ya estaba demasiado visto.

Goldfinger se estrena en enero de 1965. En Latinoamérica se la conocerá por su título original, en España será 007 contra Goldfinger, en Colombia y México, James Bond contra Goldfinger, y en Argentina… Dedos de oro. ¿Por qué, por Dios? Es cierto que le gusta el oro, pero no tanto como para recubrirse los dedos con metal. Ay, ay, ay. En primer lugar, Goldfinger es un apellido, y ni los nombres ni los apellidos se traducen. Robert Redford no es Roberto Vado Rojo, ni Bill Gates es Guillermito Portales. Y en todo caso, si, violando toda lógica, uno tradujese el nombre, sería "dedo de oro", uno, en singular. En fin.

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Para el público en general, Goldfinger sería la película más reconocible de la serie de 007, con la chica bañada en oro, el Aston Martin trucado y el coreano que decapita a una estatua con su sombrero. Es la tercera película con Sean Connery en el papel protagónico y se nota que a estas alturas el rol le calza como un guante. El consenso es que Sean Connery es James Bond, y, paradójicamente, esto es lo que eventualmente será el motivo principal por el que terminará abandonando el papel. Pero no nos anticipemos…

007 contra Goldfinger, o Por el oro baila el moro

A más de medio siglo de su estreno, la historia es más que conocida: un agente de SPECTRE llamado Auric Goldfinger (Gert Fröbe) lleva a cabo un plan para destruir las reservas de oro de los Estados Unidos.

Hasta ahora EON nos había traído dos películas aceptables pero más cercanas a lo detectivesco o al espionaje más tradicional. Con Goldfinger la serie establece su identidad y redondea una matriz a la que se ceñirá durante los próximos 40 años:

  • Cañón. Una sucesión de círculos blancos se convierte en un único círculo, y vemos a James Bond girar sobre sí mismo y disparar hacia el espectador. La pantalla se tiñe de rojo.

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  • Secuencia pre-créditos. Antes de los títulos, vemos a Bond en acción, por lo general de manera espectacular y, salvo excepciones, sin mayor relación con la historia principal: Bond vuela las instalaciones de un traficante de marihuana y trascartón se defiende de un asesino y lo mata.

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  • Créditos. La acción funde a una secuencia de títulos con armas de fuego y mujeres en poses sugestivas acompañada por el tema musical de la película, interpretado por un intérprete del momento: en este caso, Shirley Bassey.
  • Introducción al villano de turno. Bond descubre que Goldfinger hace trampa con los naipes y le arruina la jugada.

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  • Reunión informativa. En la sede del MI6, Bond flirtea brevemente con Moneypenny (Lois Maxwell) y a continuación M (Bernard Lee) lo pone al tanto de los pormenores de la misión.
  • Gadgets. Bond pasa por la sección científica, donde Bond intercambia agudezas con Q (Desmond Llewelyn), quien lo provee de al menos un artilugio, en este caso, el más famoso de la serie: un Aston Martin DB5 con modificaciones: placas rotativas, protección antibalas, rompeneumáticos, paragolpes reforzados, cortina de humo, aceite, ametralladoras, localizador, y asiento expulsable. En esta ocasión, el villano también tiene sus gadgets: el Rolls-Royce que en realidad está hecho de oro y el sombrero con borde metálico de Oddjob.

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  • Confrontación "amistosa". Primer encuentro "oficial" con el villano, en teritorio neutral y por lo general en relación con algún deporte o juego de azar: Bond juega una partida de golf contra Goldfinger, y a pesar de sus trampas, lo derrota.
  • Desplazamiento por lugares exóticos y no tanto. A lo largo de la película Bond va de Miami a Londres, de Londres a los Alpes, de los Alpes a Kentucky, de Kentucky a una isla en algún lugar del Atlántico.
  • Escenas con vehículos, persecuciones, etc. En especial, la secuencia en la sede de Auric Enterprises en Suiza. Bond hace uso de la cortina de humo, la protección antibalas y el asiento expulsor, pero termina destrozando el auto. Sin embargo, el Aston Martin DB5 regresaría en Thunderball (1965), Casino Royale (2006) y Skyfall (2012).

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  • Humor socarrón. Por lo general a cargo de Bond, ya desde el principio, cuando comenta, tras la electrocución de un asesino en la bañera:
    - Chocante. Decididamente chocante.
    Aunque Goldfinger tiene los mejores diálogos de la película, por ejemplo:
    - Escoja su próxima agudeza con cuidado, Sr. Bond. Podría ser la última.
    Y el diálogo que todos recuerdan, con Bond atado a una mesa con un láser acercándose a sus partes pudendas:
    - ¿Espera que yo hable?
    - No, Sr. Bond. ¡Espero que se muera!

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  • Un plan ambicioso. Goldfinger no planea robarse un tren blindado o asaltar un banco, sino contaminar las reservas de oro de los Estados Unidos por los próximos 57 o 58 años.
  • Enfrentados pero bien educados. Una escena en la que Bond discute calmadamente el plan con el villano, como si se tratase de un partido de fútbol o una obra de teatro, por lo común ante un plato de comida o un vaso de buen vino. En este caso, comparten una bebida de menta:
    - Me decepciona, Goldfinger. Le tomaría 12 días, usando 60 hombres, cargar el oro en 200 camiones.
    - ¿Quién dijo algo sobre llevarse el oro?

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  • Chicas Bond. En esta ocasión, tenemos a las hermanas Masterson (Shirley Eaton y Tania Mallet) y a Pussy Galore (Honor Blackman). Las primeras terminan bajo tierra y la última bajo un paracaídas con Bond.
  • Amigos y aliados. Regresa Felix Leiter, el amigo estadounidense de 007. Esta vez, más gordo, más viejo y con menos pelo, ya que no se trata del mismo actor. En Goldfinger, Leiter es interpretado por el canadiense Cec Linder, que, a pesar de ser un año más joven que su predecesor, aparenta al menos cinco años más.

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  • Daño colateral. Jill Masterson, sofocada a causa de la pintura dorada; Tilly Masterson, con el cuello cortado por el sombrero de Oddjob.
  • El dragón o ejecutor. El ya mencionado Oddjob (Harold Sakata), experto en karate y en lanzamiento de sombrero.

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  • Falso final. Oddjob muere, el ejército derrota a las fuerzas de Goldfinger y Bond evita que la cabeza nuclear explote… pero el villano escapa.
  • Coda. Confrontación final entre Bond y Goldfinger a bordo del Air Force One. No termina bien para Goldfinger.
  • Final con la chica de turno. En una islita en medio del Atlántico, bajo un paracaídas, para variar un poco, ya que en Dr. No (1962) Bond y Honey terminaban a bordo de un bote y en From Russia with Love (1963) la escena final nos mostraba a Bond y Tanya en una góndola.

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  • Machismo. Bond no sólo es extremadamente condescendiente con Dink (Margaret Nolan) sino que la trata como a un trozo de carne. Más adelante, con sólo unos besos bien dados convence a Pussy Galore de cambiar de bando. (En más de un sentido, ya que además la "cura" de su lesbianismo. Es 1964, gente.)

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Y así tenemos una fórmula previsible que se irá repitiendo, con variaciones y desviaciones, hasta Die Another Day (2002) inclusive. Esto por un lado es bueno, ya que la raíz del juego es la iteración, la repetición de lo conocido. Vemos una película de 007 y de entrada ya sabemos lo que vamos a ver, y ya sabemos que Bond no va a morir ni perder un ojo, o un brazo. Lo malo es que le resta gran parte del suspenso al asunto y la película termina dependiendo de sus gadgets y/o sus secuencias de acción, por eso recordamos el salto en esquí o el Lotus submarino de The Spy Who Loved Me (1977), el parkour de Casino Royale (2006) o la persecución en lancha de Live and Let Die (1973), pero no los detalles argumentales de la película. Luego de ver una película de James Bond, recordamos lo que vimos, y no lo que entendimos.

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Trivia y comentarios adicionales

Al ser ésta la película más importante de la serie, se merece un poco más de información de la habitual. Un bonus track, o, como decimos los rioplatenses, la yapa.

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Antes de tomar parte en Goldfinger, Honor Blackman había interpretado a Cathy Gale en The Avengers, la serie británica con Patrick Macnee en la que haría su debut Diana Rigg. Tanto Rigg como Macnee eventualmente participarían en las películas de 007, Rigg en On Her Majesty’s Secret Service (1969) y Macnee en A View to a Kill (1985).

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Gert Fröbe no habla con su voz sino que fue doblado por otro actor, como lo fueran Ursula Andress y Daniela Bianchi en las películas anteriores. Para mantener la fluidez, Fröbe recitó la mayor parte de sus diálogos en alemán, y sólo unas pocas frases en inglés.

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La producción no consiguió autorización para fotografiar el interior de Fort Knox, de modo que Ken Adam tuvo que basarse en su imaginación para los decorados, que resultaron tan acertados que las autoridades le enviaron una carta de felicitación.

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En estas primeras películas, quien dispara a cámara en la secuencia del cañón no es Sean Connery, sino su doble de riesgo, Bob Simmons. Asimismo, la chica dorada que aparece en la secuencia de créditos en Goldfinger no es Shirley Eaton (Jill) sino Margaret Nolan (Dink).

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Con una inversión de 3 millones de dólares y una taquilla de 175, Goldfinger resultó, efectivamente, una mina de oro. Fleming había muerto en agosto, pero no sin haber dejado una buena cantidad de novelas e historias, especialmente tres que llamaron la atención de los productores: Thunderball (1961), On Her Majesty's Secret Service (1963) y You Only Live Twice (1964), más conocidas como la "Trilogía Blofeld".

Próximamente: Operación Trueno, o Bond a contrarreloj.

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