sábado, 27 de febrero de 2016

Reseña Comic: Asterix y el Papiro del César


ASTERIX Y EL PAPIRO DEL CÉSAR (LE PAPYRUS DE CESAR)

Editorial: Dargaud
Fecha de Publicación: Octubre, 2015
Guionistas: Jean-Yves Ferri
Dibujante: Didier Conrad
Reseña: Ñoño Cool

“Estamos en el año 50 Antes de Cristo. Toda la Galia está ocupada por los romanos… ¿Toda? ¡No! Una aldea poblada por irreductibles galos resiste todavía y siempre al invasor. Y la vida no es fácil para las guarniciones de legionarios romanos en los reducidos campamentos de Babaórum, Acuárium, Laudánum y Petibónum…”

Así comenzaron cada una de las aventuras de Asterix el galo y su inseparable amigo Obelix que han seguido por más de 36 tomos de brillantes tebeos y muchos malos intentos de películas Live Action y de animación; joyas del comic franco-belga. Y en los años recientes es la industria de esta clase de tebeo la que ha recibido dos golpazos consecutivos de enorme magnitud; me refiero a las muertes de dos grandes guionistas: Jean-Michel Charlier autor del famoso Blueberry, y René Goscinny co-creador de Asterix.

El teniente Blueberry sobrevivió al fallecimiento de su padre y creador con un nuevo equipo creativo, y ha mantenido un nivel bastante cercano a lo clásico; en cambio las aventuras del Galo estuvieron en el lado opuesto del espectro y se lanzaron nuevas entregas que si bien tenían el sólido dibujo del mítico Uderzo, sus guiones eran mediocres en el mejor de los casos, y patéticamente malos en el peor. Como el pequeño rubio y su amigo panzón son tal vez los íconos del tebeo más grandes de toda Francia no podían quedarse así, y la solución fue traer a dos nuevos hombres a cargo para que sacaran nuevamente el barco a flote: Jean-Yves Ferri y Didier Conrad.

Ambos probaron que serían capaces de recuperar la esencia de los personajes cuando el año 2013 lanzaron “Asterix y los Pictos”, un respiro de aire fresco que recordaba a los viejos tiempos, pero esa era solo la primera barrera a cruzar, la verdadera prueba de fuego sería entregar algo que demostrase que no eran solo un éxito de una sola vez, una vela pasajera, sino que un team lo suficientemente sólido para seguir sacando material de aquí al futuro. Dicha prueba fue “El Papiro del César” y basándome en lo que pude leer, estamos en muy buenas manos.

Nuestra aventura como las mejores de los 2 galos, se basa en hechos históricos reales, en este caso el proceso de escritura de “Comentarios a las Guerras de las Galias” por parte de Julio César. La intención del líder romano al iniciar el conflicto era prevenir más invasiones galas hacia sus dominios, además de si tenía éxito valerse de esto para ganar la suficiente influencia política y prestigio militar para cubrir sus deudas monetarias y ascender en la escala de poder en Roma y volverse Emperador.


A la hora de adaptar esto se tenía que tomar algo en consideración: César ya era Emperador en los tebeos de Asterix. Así que el propósito del libro aquí es para bañarse de gloria a sí mismo, por esto su editor Bonus Promoplús le dice que mejor omita el capítulo sobre que un pequeño poblado de galos con poción mágica ha podido resistir a él sin drama. Es gracias a uno de los escribas negros del César le hace llegar las noticias al galo Doblepolémix, quien le avisa a nuestros héroes de la situación.

Los galos en vez de enojarse y exigir que Julio escriba la verdad sobre el asunto, se limitan a quedarse con la copia original que nombra los hechos como tales y la guardan en la biblioteca de su poblado. La cosa podría quedarse ahí, pero Promoplús no se queda de brazos cruzados y pretende eliminar esa evidencia para que nada pueda ensuciar la memoria del César a futuro.

En esta aventura tenemos todos los elementos de las historias clásicas de Asterix. Desde juegos de palabras, los nombres graciosos de lujo, anacronismos, gags visuales y los dobles sentidos, antagonistas hambrientos de poder; además elementos como poción mágica, jabalíes, batallas a puñetazos, banquete final y más; y eso no es todo, pues recupera a Ideafix, que había quedado olvidado en "Asterix y los Pictos" y recupera al mejor antagonista de todos, el mismísimo Cesar.

El mantenimiento de las personalidades está perfectamente construido, desde la brillante inteligencia y calma permanente de Asterix; pasando por la terquedad, obstinación e ingenuidad de Obelix, las mujeres de la aldea con esas personalidades fuertes y dominantes; Panoramix en su rol de sabio guía y líder estratégico; hasta Asuranceturix y su asquerosa voz cantante. Todo está ahí.


Y por último, se recupera una de las mejores cosas en las aventuras del galo: la capacidad de hacer una historia simple y fácil de seguir que también pueda tener un comentario hacia la realidad y actualidad. En el caso del “Papiro del César” tenemos el caso Wikiliaks y Julian Assange tomando centro de la crítica y parodia; además de ardillas que solo dicen “tuit” y palomas que son la nueva comunicación de gran velocidad representando el internet. Se tocan temas que van desde el periodismo investigativo, la censura e incluso sorprendentemente las bases para crear a Asterix, todo bañado en ese hermoso humor blanco característico de la serie.

El dibujo de Conrad es de un nivel impresionante. Imita a Uderzo pero se diferencia lo suficiente en maneras sutiles, por ejemplo lo ligeramente más estilizados que lucen algunos personajes, casi como una evolución natural que es muy bienvenida, y merece aplausos de pie. Ambos hombres suplen perfectamente los asientos de Goscinny y Uderzo y si no te dijeran que son autores diferentes ni cuenta te podrías dar… eso no significa que sean meros calcos sin nada que aportar por sí mismos, sino que el tono más fresco y modernos siempre está presente.

Este número es todo un homenaje a la labor de sus creadores, y llevando a Asterix y sus amigos a las nuevas generaciones, además de dejar una pequeña promesa de que si bien mantendrán el espíritu y esencia de la colección encontrarán su propio estilo más adelante. Sin duda me quedaré muy expectante por la tercera entrega de este nuevo dúo, pues este tebeo rebosa de amor y calidad, recomendado para cualquier fan de los invencibles galos.

 9.5/10 

Post:   Asterix El Galo



Arawn

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Monstruo, abominación, demonio. Los hombres imaginan que yo soy el diablo. ¿Pero qué saben del rey de los infiernos?. ¿Qué saben sobre el bien y sobre el mal?.

Los hombres... Pequeñas criaturas frágiles que viven en el temor. Seres estúpidos, ciegos y limitados. Los hombres son unos ignorantes.
 
Mi nombre es Arawn. Soy el señor de la tierra quemada. El rey de los infiernos. El soberano de los muertos. Los humanos me temen. Y tienen razones: ignoro la piedad, desprecio la debilidad.
 
Yo soy el dios de la cólera. El dios de la venganza...
 
Sin embargo, no siempre fue así. Antaño era un hombre, salido del vientre de una mujer...
 
Idioma: Español.
Editorial: Soleil
Año: 2008
Guion: Ronan Le Breton
Dibujo: Sebastien Grenier 
Tradumaquetadores: Larabeau DarkElf (larabeau169)
Archivos:
6
Formato: CBR
Tamaño: 321 Mb
 
P00002 - Arawn .- Lazos de Sangre _thumb[4]P00003 - Arawn .- La Batalla de Ca_thumb[5]P00004 - Arawn .- El Caldero de Sa_thumb[4]P00005 - Arawn .- Resurrección #5_thumb[6]P00006 - Arawn .- Tierra Quemada #_thumb[3]
 
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viernes, 26 de febrero de 2016

Reseña Comic: Superman True Brit


SUPERMAN: TRUE BRIT

Editorial: DC Comics
Fecha de Publicación: Noviembre, 2004
Guionistas: John Cleese, Kim Johnson
Dibujante: John Byrne
Entintador: John Byrne
Reseña: Ñoño Cool

Otra vez nos adentramos en los “Elseworlds” u “Otros mundos” de DC, historias alternativas donde muchos de nuestros personajes favoritos son puestos en situaciones diametralmente opuestas a lo acostumbrado, en contextos y épocas diferentes, todo para ver como la esencia del héroe y como se enfrenta al mundo en estas nuevas perspectivas y situaciones que este cambio desencadena, en resumen un Elseworld permite jugar con el status quo sin realmente cambiarlo.

Uno de los personajes que más participación ha tenido en estas reimaginaciones es Superman, y por ende es al que más reseñas le he dedicado cuando hablo de este tipo de tebeos, ya sea cuando cayó en la era medieval, en Japón feudal, la Rusia de la Guerra Fría o incluso en el futuro en el año 3000. Esta vez le toca caer en Inglaterra en una época sin tiempo definido, pero posiblemente en los años 80/90 y preguntarnos ¿Qué pasaría si en vez de que Kal-El se criase con amables granjeros norteamericanos, le tocase crecer junto a una pareja de fríos y tarados ingleses?

El guionista de este tebeo humorístico es John Cleese, quien fue parte del grupo de comedia surrealista más famoso d la televisión y películas en la década de 1970 y 80, quienes inspiraron una nueva generación de comediantes incluyendo Tina Fey, Mike Myers y Matt Groening el creador de los Simpsons. De acuerdo con el comediante Eddie Izzard, "demostraron, sin saberlo, que el humor es internacional y no nacional" expandiendo su influencia por todo el mundo.

La influencia de los Monty Python se extiende mucho más allá de la comedia. Siete asteroides en el espacio han sido nombrados en su honor; un lémur lanudo descubierto en 2005 fue llamado Avahi cleesei en homenaje a John Cleese; una especie de pitón fósil encontrado en 1985 fue nombrado Montypythonoides riversleighensis, hay un lenguaje para programar computadoras llamado Python, con referencias al grupo incrustado en su código; diablos incluso la palabra “spam” que se refiere a las cosas indeseadas en internet nació como uno de sus sketch de comedia. Y claro, crearon dos de las que son LEJOS las mejores películas de comedia en toda la historia del cine con LIFE OF BRIAN parodiando a Jesucristo y HOLY GRIAL haciendo lo propio con el Rey Arturo.


John Cleese por su parte es uno de los miembros más destacados de los Python y también conocido por la película Un Pez Llamado Wanda y haber creado la serie de televisión Fawlty Towers, y es él quien construye nuestra historia. Por esto no los culparía si esperasen que este tebeo fuese una obra maestra de la comedia, parodiando a Supeman tal como Life of Brian hizo con Jesús; pero no es el caso… ya que la vida de Colin Clark es una mezcla de malos chistes de Superman , y clichés cansados y muy repetidos sobre conservadurismo Inglés.

Aquí Kal-El se transforma en Colin Clark, miembro de la prensa británica, y se usa este alter-ego periodístico como una herramienta irónica para comentarios sobre el hábito de levantar celebridades al estatus de dioses con el único propósito de destrozarlos y reírse de ellos luego de eso, mostrando el doble standard de la industria de la prensa sensacionalista. El problema con esto es que la parodia es más que nada un ataque amargo, empujando las caricaturas demasiado lejos y así perdiendo el sentido del humor con el que se intentaban presentar.

La historia es bien simplona y con mucho humor inglés, y leyéndolo me di cuenta de que a si a Superman hay algo que no le viene es el humor inglés. Yo soy un fan enorme de este tipo de comedia pero tengo que admitir que aquí no juntan mucho, AUNQUE claro la primera vez que leí esto me sacó varias carcajadas de buena gana, por eso lo consideraba un gran comic de Superman… pero luego de haberlo releído solo me quedé solo con sonrisas y nada más dado la gran cantidad de chistes inteligentes pero no realmente muy graciosos cuando le analicé de manera más cuidadosa. Ahora, creo que es mejor leerlo en inglés ya que así los juegos de palabras no se pierden, y para disfrutarlo más deberían ser muy fans del humor de Gran Bretaña.


Lo que tiene este tebeo eso si, son MUCHOS guiños a la carrera de Cleese como a los Monty Python. Tenemos al editor del periódico por ejemplo luciendo idéntico a Cleese, hay referencias a Fawlty Towers, hay un pingüino en la casa de los Clark tal como en uno de sus clásicos sketch, lo mismo la referencia obligada al reparador de bicicletas; los Rutles, grupo paródico a los Beatles que salió en el show de tv hacen acto de presencia, Mr & Mrs Brian Norris, lo mismo, el “spam” y por último, una referencia al documental de viajes por el mundo presentado por uno de los Python, "Around the World in 80 Days with Michael Palin". Y esto es lejos lo más destacable del tebeo, aunque si alguien nunca vio el show se perderá de todos estos chistes que son los que realmente pueden sacar unas risas.

El dibujo por parte de Byrne es bastante bueno, mantiene una exageración caricaturesca de los años 90 para poder hacerle juego al guión de Cleese, y creo que el traje de este Superman británico me produce dramas, no sé si es muy bueno o realmente asqueroso… más que nada porque es una obvia parodia y una broma de esas que te golpean en la cara, pero no sé si eso la excusa para ser tan feo.

Es un fallido Elseworld sin lugar a duda y una vergüenza comparado a otros como Superman Red Son de Mark Millar, está lleno de un concepto posiblemente interesante pero muy mal ejecutado… y me duele decir que este comic antes me gustaba MUCHO y lo defendía cada vez que podía como una obra de lujo, pero creo que fue la releída la que le quitó la magia y le vi las demasiadas fallas que carga, ¿les ha pasado eso? ¿Qué leen un comic que terminan adorando pero años después lo leen de vuelta y se dan cuenta lo mediocre que es? Creo que solo podría recomendarlo para los muy fans de los Monty Python.

5/10

Post:    Elseworlds por Cyberpatito





Wildstorm: Wild Times

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Gracias a la mansión del CRG tenemos el gusto de presentarles una serie de comics con personajes muy queridos y conocidos en lugares inimaginables y extraños.

Wild Times es una serie de 6 one-shots publicados por WildStorm Comics. Las historias tienen como protagonistas a los héroes de WildStorm re-imaginados en diferentes épocas y situaciones, incluyendo como bonus los cameos de algunos personajes del universo DC.

WILCATS: Numero Wizard #0 que presenta la colección, una historia corta del grupo de superhéroes Wildstorm en la cual deben salvar a un candidato extraterrestre de un atentado contra su vida, aquí se dan algunos bocaditos de los números que vendrán.

GEN13: ¿Te imaginas a Gen 13 a finales de los años 60? Hippies, amor libre, pantalones de pata de elefante. Wild Times te ofrece la posibilidad de conocer cómo podría haber sido la vida de este grupo de haber nacido en esos años. Aparición especial de los Nuevos Titanes.

GRIFTER: Historia ambientada en 1928 en la que Grifter protagoniza una historia imaginaria donde se supone que este héroe vivió en plena Ley Seca de Chicago años 20 en lugar de en el presente.

WETWORKS: Historia ambientada en 1955 en plena Guerra Fría, una epoca de intranquilidad y paranoia que hizo de esos años una de las edades de oro del cine de terror y la ciencia ficción de serie B. Psicosis atomica, mutaciones, invasiones extraterrestres, todo tiene cabida en esta historia... incluso una aparición especial de Superman.

DV8: Los Desviantes se ven envueltos en las intrigas de la Segunda Guerra Mundial. Un joven soldado ruso que no esta preparado para los horrores de la Segunda Guerra Mundial deserta, solo para ser tomado preso por los EE.UU. Obligado a elegir entre ser devuelto a los rusos para su castigo o tomar parte en un experimento militar secreto, al cual se unen otros "desviados" del ejército en una operación audaz que va a cambiar el resultado de la guerra. ¿Podrá este tímido muchacho transformarse en el increíble soldado que nunca quiso ser?

DEATHBLOW: A medida que el sol se pone en el siglo 19 en un mundo que podrían haber existido, Michael Cray, conocido como Deathblow, es uno de los últimos de los pistoleros de antaño, lamentando la pérdida de la libertad del oeste. Pero si las locomotoras, el alambre de púas, y la expansión parecen acarrear el fin de la libertad, ¿cuánto peor será cuando un industrial implacable ponga sus manos en una invención imposible: el avión a vapor?

Idioma: Español.
Editorial: Image
Año: 2015
Guion: Jeff Mariotte, Mark Waid, Max Allan Collins, Kevin Altieri, Norman Partridge y Joe Casey
Dibujo: Adam DeKraker, Aaron Lopresti, Paul Smith, Mark McKenna, Tommy Lee Edwards y Jason Johnson
Tradumaquetadores y escaneadores: Wild, UltronXII y Gambor (CRG)
Archivos: 5
Formato: CBR
 
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jueves, 25 de febrero de 2016

Reseña Comic: EMPIRE


EMPIRE

Editorial: Gorilla Comics (#1-#2) luego DC Comics (#3-#6)
Fecha de Publicación: Mayo y Septiembre, 2000 (Gorilla)/ Septiembre, 2003 - Febrero 2004 (DC Comics)
Guionista: Mark Waid
Dibujante: Barry Kitson
Entintador: Jean Dean Pascoe
Reseña: Ñoño Cool

La historia de Mark Waid sobre un villano que tiene el mundo en sus manos es una de esas obras que casi me atrevería a llamar perfectas. Cuando leí Kingdom Come y lo ame sabía que debería terminar de leer la trilogía espiritual de Mark Waid que analiza el concepto del heroísmo, así que tome en mis manos Irredeemable y Empire. Y debo decir que después de su Magnus Opus para DC, creo que este es probablemente su segundo mejor tebeo mejor hecho.

Me lo leí de una sentada porque me fue imposible dejar de hacerlo, comencé a darle una hojeada a la 1 AM de la mañana y a pesar de que quería dormirme no pude parar, es demasiado bueno. Empire cuenta la historia de un mundo donde los villanos ganaron la lucha entre el bien y el mal; Golgoth es un déspota muy parecido al Doctor Doom en diseño y personalidad que ha logrado dominar el mundo y está acallando los fuegos finales de la resistencia y así culminar su plan para ganar el control completo de la Tierra con la ayuda de su amplia gama de “ministros”, quienes son nada más que otros villanos menores todos sádicos y algunos muy trastornados que trabajan bajo su mando. Con la victoria en sus manos, es la hostilidad y la corrupción en sus propias filas lo que le está causando más problemas pues sus cercanos son mentirosos, traidores y canallas, y Golgoth deberá decidir en quién confiar y quién matar si quiere mantener el control total de todo lo que ha luchado tan duro para conseguir.

La historia de la publicación de este tebeo es peculiar, porque los dos primeros números fueron lanzados originalmente bajo la efímera línea editorial Gorila Comics que era una rama de Image Comics en los 2000. Y cuando Gorila Comics terminó por quebrar por las pocas ventas y muchos de sus comics pasaron a ser publicado por otras empresas para poder ayudar a que tuvieran un cierre como se merecían, el resto de Empire fue publicado por DC Comics en el año 2003.

La idea de Waid le vino cuando él se dio cuenta lo lejos que había llegado como profesional del mundo del comic, fue el día de su cumpleaños número 29, y sopesando sus logros cayó en la cuenta de que ya había logrado cada cosa que se había propuesto en su vida, y realizado cada uno de sus sueños de infancia y adultez. Esto no solo le trajo mucha alegría sino que también una sensación de terror enorme que lo llevó a reflexionar sobre el futuro desconocido que se le venía por delante “Lo tengo todo ¿Y ahora qué?”. Después de pensar bastante sobre esto, extrapoló la idea y se dijo “Qué tal si un supervillano hubiese logrado todas sus ambiciones de conquista mundial ¿qué viene después para él?”.


Es esta situación la que construye el concepto general de Empire; donde Golgoth, es tal como el Doctor Doom: un dictador brillante que jamás se quita su terrorífica armadura, es dueño de una arrogancia infinita y no deja que nadie le cuestione bajo pena de muerte; pero a diferencia de cualquier villano de comic, este si logra derrotar y matar a cada superhéroe existente que se puso en su camino, doblegar a cada ejército de las superpotencias mundiales, y así dominar con puño de hierro a cada nación civilizada en la Tierra.

En los comics normales, dígase el mainstream superheróico de DC y Marvel, los villanos muy rara vez triunfan contra sus rivales, y si lo hacen es meramente temporal ya que los buenos se reagrupan, idean un plan y les meten una paliza; o por último si ganan será una victoria pírrica. Diablos, si hasta cuando el héroe derechamente pierde se queda con la victoria moral. Las únicas victorias mayormente permanentes son cuando el villano mata a un ser querido o algo así, pero jamás se sobreponen totalmente. Los villanos en los comics clásicos siempre ganan la batalla pero pierden la guerra.

No en Empire, aquí el mayor tirano con superpoderes ha barrido con todos y de forma permanente. Aquí tenemos muy presente la idea de que el mal perfectamente puede triunfar al final, pues Golgoth gobierna absoluto, y ha matado a todos los enemigos que se le pudiesen oponer; las victorias morales no significan nada para él porque puede torcer su significado y hacer ver a los mártires como terroristas; y solo dos pequeños bloques de resistencia se le oponen en toda la Tierra, pero están seguros de que jamás le ganaran dado su masiva superioridad armamentistíca y tecnológica y solo demoran lo inevitable: caer bajo el dominio de poder y terror de Golgoth. No hay escape de sus garras, la esperanza ya no existe ya que siempre está dos pasos delante del resto.

La manera en cómo se construyen las conexiones humanas tiene un tinte muy oscuro e intrincado, ninguno sabe realmente en quien confiar o para quien realmente trabaja y la traición puede venir de quien menos lo esperas. Golgoth es por lejos el personaje más complejo en el montón, un ser monstruosamente cruel, déspota, autoritario a un nivel ridículo y con tintes de arrogancia, ya que a pesar de comandar el ejército más grande y poderoso del planeta, es él quien hace la mayor parte de las matanzas por sí mismo, y disfruta asesinando soldados rebeldes que buscan libertad, jamás se lanza en monólogos cansinos e innecesarios, sino que su personaje se desarrolla en gran parte a través de diálogos escuetos y mucha narrativa visual. Pero lo que lo hace diferenciarse es que aún queda humanidad en él a pesar de todo, lo que está representado en la relación que tiene con su hija.

La idea de un supervillano con una hija es única, le entrega al malvado un corazón y a veces incluso te identificas con sus decisiones a pesar de ser un sociópata, lo que hace que te sientas menos presionado si te cae bien el malvado protagonista, ya que la trata como una verdadera princesa y la puerta de su cuarto es a la única a la que se digna a tocar y pedir permiso para entrar en todo el planeta; esto porque amaba mucho a su madre y cuando ella murió en extrañas circunstancias solo la pequeña niña le quedó.


Golgoth es una amenaza, pero sin nadie que le presente resistencia, no tiene enemigos reales y sus problemas y tensiones solo vienen desde el círculo de gente en la que ha depositado algo de confianza para manejar su tiránico gobierno. Estos son el cast de secundarios, el gabinete político y militar del dictador, y está compuesto por muchos perversos, torcidos, sádicos y dañados individuos con mucho talento para lo que hacen. Cada personaje se siente importante, e interesante ya sea por sus personalidades o habilidades, que les vuelve fascinantes; muchos son leales a él, otros tienen sus propias motivaciones contrapuestas, y la única forma de mantenerles en control es a través de la Eucaristía, una droga que triplica sus capacidades físicas y mentales pero que es MUY adictiva, y solo Golgoth puede producirla.

La historia avanza rápido, y es interesante de principio a final, el ritmo es fantástico pasando de conversaciones profundas a acción y brutalidad, es todo un laberinto que se va construyendo y no quieres encontrar la salida hasta explorar cada uno de los caminos que este posee. El diálogo está maestramente guionizado al nivel que recuerda los mejores tiempos de Alan Moore, en especial cuando Golgoth habla con Endymon.

 El capítulo que se centra en Golgoth y Endymion es FANTÁSTICO y por lejos mi preferido, ya que se toma un descanso de la trama principal para desarrollar la relación entre estas versiones de Doctor Doom y Superman después de que el villano derrotase a la Liga de Endymion, el último superhumano que le opuso resistencia. Todos creyeron que él murió en esa batalla, pero el tirano le ha mantenido prisionero conectado a una máquina permanente de tortura que le saca la sangre que transforma en la droga Eucaristía. Es un número lleno de desesperanza, y la conversación entre ellos muestra como Golgoth subió al poder mientras vemos lo impotente que un hombre que puede mover planetas se encuentra ahora; si este fuera cualquier otro comic el héroe hubiera encontrado una forma de liberarse ya sea usando su fuerza o engañando al villano, pero aquí es imposible, no importa cuanta presión y manipulación psicológica utilice en su contra, el dictador no se quiebra y le demuestra que no hay oportunidad de escape ni ahora ni nunca. Por esto la única salida que tiene Endymion para evitar la locura y probar la libertad es su propia mente donde imagina una y mil veces las formas de cómo ganaría mientras es torturado segundo a segundo por las máquinas.

Este es un mundo donde los superhéroes han fallado, donde tus metas te han consumido y la percepción de la realidad se ha destrozado poco a poco, como vemos en el caso de Endymion quien aún mantiene la esperanza de salvar al mundo aun cuando sabe que es imposible pues incluso en sus sueños no puede imaginar un futuro más brillante, por eso simplemente se limita a recordar batallas pasadas y como podría haber vencido. Este Superman derrotado no puede hacer nada sino odiar tanto a su enemigo que termina llorando de desesperación.


Hay una tragedia al final de la historia, pero hace a Golgoth más frío que nunca. Si en el cómic típico termina con el héroe caminando en la puesta del sol con más esperanza en la condición humana, o la vida en general, aquí termina con el villano caminando hacia el atardecer, con más amargura en su corazón de lo que hizo en el comienzo de la historia, con el alma destrozada, cosa que solo le ha vuelto más duro y más cruel.

El dibujo es fantástico, lleno de tantos detalles en los fondos y ambientaciones, que hacen que todo se sienta vivo, variado y distintivo. El diseño de Golgoth captura su crueldad y le entrega una presencia terrible cada vez que aparece en las viñetas gracias a su lenguaje corporal y expresiones faciales. Y la composición de paneles es otra cosa que le entrega mucho dinamismo y energía a la trama.

Empire es una lectura de lujo, con una historia, personajes, diálogos y temáticas fantásticas, giros argumentales potentes y un dibujo bastante destacable, volviéndole un producto fenomenal. Lo recomiendo de pies juntos como se dice, al igual que su secuela Empire Uprising, y háganlo lo más pronto posible, no saben de lo que se pierden.

10/10 

Post:    EMPIRE





La Biblioteca de Turpin

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"¿Quién es el misterioso extranjero que vive en el caserón? ¿Y qué esconde en él que hace tanto ruido?

Eso es lo que se preguntan nuestros jóvenes amigos. Con intención de dar respuesta a estas preguntas, Cris y Óscar se adentrarán en el caserón, donde se darán de bruces con una imprenta.
 
Pero no una imprenta cualquiera. Gracias a una tinta especial, los libros que en ella se imprimen son capaces de transportar al lector a través de los eventos que se narran en sus páginas. ¡Literalmente!"
 
Idioma: Español.
Editorial: La cúpula
Año: 2006
Guion: Max
Dibujo: Max
Escaneador: Jiman (CRG)
Archivos:  1 Tomo de 53 Paginas
Formato: CBR 
Tamaño: 29.5 Mb
 
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miércoles, 24 de febrero de 2016

Reseña Película Animada: Cuando Marnie estuvo ahí


CUANDO MARNIE ESTUVO AHÍ

Fecha de estreno: 19 de Julio 2014 (Japon), Noviembre 2015 (Resto del mundo)
Director: Hiromasa Yonebashi
Guionistas: Hiromasa Yonebashi, Keiko Niwa, Masashi Ando
Productora: Studio Ghibli
Duración: 103 minutos
Reseña: Ñoño Cool

Esta podría ser la reseña más triste que haya escrito, porque está dedicada a la última película de uno de los estudios de animación que ha sido parte de mi vida por más de 20 años antes de su cierre temporal que luce casi permanente a este paso. Pero no quiero que sea de este modo, sino que se vea como un homenaje a la casa de Miyazaki y Takahata que tanta alegría nos han dado.

Hayao Miyazaki es y será uno de los dioses de la animación, un pozo inagotable de imaginación que fluye a borbotones como si de una cascada se tratase, un hombre que puede darte bosques mágicos con chicas criadas por lobos, castillos que caminan comandados por magos, salones de aguas termales llenos de espíritus donde vive un dragón, una brujita alegre que quiere hacer su vida en la ciudad, o un gigantesco avatar del bosque que se hace amigo de dos niñitas. Siempre tendremos magia, corazón, animación de primera categoría, historias memorables, personajes inolvidables y un sentido de asombro gigantesco en cada una de sus obras.

El hombre es tan dedicado que todos los films dirigidos por él antes del 2006 eran dibujados a mano cuadro por cuadro por un gran número de empleados pero él en persona se dedicaba a hacer cientos de ellos por sí mismo como un maestro artesano apasionado por su arte; y solo en los años posteriores comenzaron a usar un poco de animación computacional sin abandonar la intervención a mano. Hayao-san es simplemente una leyenda en vida.

Fundó el estudio Ghibli con su amigo y colega Isao Takahata, otro maestro cuya especialidad son las cosas más crudas, reales, y que pueden llegar a destrozarte el alma de dolor como Tumba de las Luciernagas; y han producido películas consideradas obras maestras no solo de la animación sino que del cine en general. Ghibli dejó su marca en el mundo del film y en el de la gente que los visionó y creció con ellos.

Crecí con Miyazaki, mi hermano de pequeño tiene un peluche de Totoro, lo que no significa que lo ensalzaré esta nueva película porque tiene sus errores en varias partes a pesar de ser de alta calidad generalmente hablando, pero por esto el siguiente film guardará un lugar MUY especial en mi corazón, no solo por el contenido sino que por el peso emocional que conlleva en mi vida, aunque no sea perfecto. Porque... el film es sólido, pero no se si quedará en el top 5 o 10 de las mejores obras del estudio.

Hace unos años ya, Hayao Miyazaki, director y hechicero en jefe de la casa de animación japonesa, anunció su retiro después del estreno de “El Viento se Levanta”, y seis meses más tarde, su co-fundador Isao Takahata hizo lo mismo, tras la finalización del “Cuento de la princesa Kaguya”. Esas dos obras maestras son una nota altísima en la cual finalizar una carrera de tantas décadas, así que sería un peso bastante importante para el tercer film cerrar con broche de oro la generación Ghibli sin ninguno de los dos grandes a cargo.


La cabeza pensante a cargo sería Hiromasa Yonebayashi, el relativamente joven discípulo de 42 años de Miyazaki, que en un punto donde las cosas se movían sin problemas fue considerado en el estudio como el sucesor natural del gran hombre. “Cuando Marnie estuvo allí” es sólo su segunda película como director, siendo la primera una adaptación del libro de María Norton “The Borrowers” llamada Arrietty que salió en 2010.

El film está basado en una novela del mismo nombre por la autora Inglesa Joan G. Robinson, que fue nombrada recientemente por Miyazaki, junto con otros, incluyendo Winnie-the-Pooh, Heidi y El Jardín Secreto, como uno de sus libros infantiles favoritos, y su trama, que se mueve entre fantasmas, el arte y la memoria, y el papel que los tres juegan en nuestro crecimiento llevándonos por un viaje emocional que termina no en un adiós sino que en un “hasta siempre”, es sin lugar a dudas algo que navega en el reino de lo que esperaríamos un gran final para estos mundos.

A diferencia de Kaguya y Viento, aquí no tenemos historias casi estrictamente adultas, sino que con un mensaje más familiar o que apunta a los jovenes. En esta tierna historia de fantasmas con todo el sabor británico y rebosante de un estilo y sentido único de misterio y melodrama, tenemos de protagonista a una chica de 12 años llamada Anna quien nunca ha podido hacer amigos pues siempre se burlan de ella, lo que la ha vuelto muy retraída, vive triste dado la muerte de sus padres y a pesar de que su madrastra la ama con todas sus fuerzas, ella piensa que solo lo hace por deber y no por cariño.

Tímida pero claramente no sin talento, Anna pasa su tiempo libre dibujando, y a pesar de ser en extremo talentosa en ello, verdaderamente se odia profundamente a sí misma, se encuentra fea, estúpida, con mal humor, y cree ser desagradable hacia todos, la pobre chica ha caído en una enorme depresión que llega casi a los límites de la conducta suicida -cosa que no verás en películas de animación norteamericanas ni de broma – y la intensidad de su pena, retraimiento y dolor es lo que hace que todo esta historia golpee más profundo cuando la vemos luchar por sí misma y valorarse a si misma por primera vez.


Ella se siente desconectada de sus compañeros y su madre adoptiva, quien por sus ataques de asma la envía en última instancia a pasar algún tiempo con sus abuelos adoptivos en Hokkaido, la gran isla en el extremo norte del país en forma de media luna, un sustituto no sin sus elementos intrigantes que la diferencia del rústico Norfolk de la novela.

Allí, en Hokkaido, Anna descubre la libertad de explorar la zona por sí misma, que por supuesto es uno de los grandes placeres de una historia como esta para el público lo suficientemente paciente para apreciar el cambio de ritmo, que nos permite deleitarse con los fondos pintados a mano y la flora y fauna cuidadosamente detallados, que nos da un respiro de toda la animación 3D actual. Los deambulares solitarios de Anna la llevan a un lugar con vistas al pantano. Hay algo en la forma en que el sol golpea la casona al final de este que parece una verdadera invitación. Cuando la marea está baja, Anna puede cruzar fácilmente al edificio extraño con un extraño estilo europeo en Japón, y siendo una niña curiosa por naturaleza, hace exactamente eso, descubriendo para su sorpresa una chica rubia muy triste como de su misma edad mirando en la ventana de arriba.


Anna pronto se hará amiga de ella, llamada Marnie, quien es su exacta opuesta, cálida, llena de confianza, expresiva, y siempre alegre. Aunque las dos poseen los mismos ojos azules (extraños en Anna pues es japonesa) y tienen sentimientos encontrados sobre sus padres. Para nuestra protagonista, es porque murieron cuando era una niña y siempre sintió como que la abandonaron por eso, mientras que los Marnie están vivos, pero se preocupan mucho más en celebrar fiestas y dejar a su hija de 12 años a cargo de los crueles sirvientes de la casa.

El problema es que nadie más puede verla y todos le dicen que esa casa está abandonada hace años, pero cuando Anna entra el lugar se ve lleno de vida y con fiestas y gente por doquier, lo que la deja con la duda de que su nueva y única amiga puede ser real, un fantasma que vive en una casa encantada o solo un producto de su imaginación para combatir su soledad y depresión agobiante.

¿Y si es Anna el fantasma? ¿Quién es la que desaparece realmente? Pareciese como si ambas estuviesen imaginando a la otra, ¿ninguna es real? ¿Las dos son fantasmas? Lo único que saben es que cada una es lo que la otra necesita, Marnie le da a Anna la alegría que le falta, Anna a Marnie le entrega seguridad en su vida de maltrato, ambas se apoyan para superar los pesares en un mundo melancólico. Las líneas entre lo real y la fantasía realmente se comienzan a medida que avanza el film.

Es una tierna historia sobre amistad, fantasía, la búsqueda de la fuerza interna para abrazar los pasados trágicos y las diferencias no para encajar en el mundo, sino que para sentirnos cómodos en nuestra propia piel, y así lograr la tan necesaria sanación emocional. Todo hubiese sido perfectamente fácil de traducir en live action, pero se agradece el uso de la hermosa animación 2D, esos colores y detalles, que junto con la música de piano de Takatsugu Muramatsu acompañando todo, hace que todo esto se sienta como un cuento antiguo perdido en el tiempo. No se siente como el final de Ghibli, sino que como un capítulo perdido en sus días más tempranos que fue restaurado por las manos de la contemporaneidad.


Ok, entonces ¿cuáles son los problemas con este film? Primero, la narrativa de tanto en tanto cae en lo letárgico más que lento y se alarga mucho más de lo necesario, quitándole el sentido de urgencia que una historia como esta debería tener. Sé que es amistad y autodescubrimiento primero, y misterio segundo, pero no me agrada que uno de los elementos que la hace más interesante sea en más de una ocasión dejado de lado, por mi parte hubiese cortado 15 minutos de metraje, o al menos hubiese editado la primera mitad con algo más de velocidad en ciertas escenas.

 Y lo segundo no tiene tanto que ver con el film en sí, sino en lo que representa: su rol como el Ghibli final. OBJETIVAMENTE hablando es otra más del montón en la larga lista de films y no cierra de manera tan memorable como lo hiciese “El Viento se Levanta”, que hubiese dejado como el producto para el cierre. Es una linda historia muy sólida, emocionalmente poderosa y con personajes atrapantes, pero nada que se quede pegado en la memoria del espectador como “Mi Vecino Totoro”, “La Princesa Mononoke” u “El Viaje de Chihiro”, pues es bastante más simple y no está llena de esa imaginación desbordante que caracteriza al estudio. No es una cosa de parámetros épicos que finalice un gran viaje, sino que como una película menor que encaja en las arcas del estudio. Ahora PERSONALMENTE es mi tercera película favorita en todo Ghibli dado que yo pasé una etapa de mi vida como Anna y me identifico fuertemente con ella, y por ese final que te hace estremecerte completo de la cabeza a los pies. No será una obra maestra como sus predecesoras, pero sigue siendo MUY sólida. Lo que tal vez para muchos no sea suficiente.

Lo que se refleja en la recaudación en taquilla de USA, pues normalmente sus películas alcanzan 120 a más de 200 millones de dólares, pero Marnie apenas y consiguió 31. Lo que es especialmente triste si pensamos que con una taquilla tan sólida como las anteriores se lo pensarían dos veces antes de cerrar de manera definitiva, pero con todo el extremo trabajo que toma hacer un film 2D pintado a mano, es difícil ver un futuro donde Ghibli vuelva, a menos que cambien su estilo de animación completamente. Lo que es aún más triste si consideramos que "Viento", "Kaguya" y "Marnie" son entregas sólidas y prometedoras de un largo camino que se ve truncado por esto.

El acto final es tan emocionalmente poderoso, que es como si tomara tu corazón con sus manos y apretase y apretase. No pienso decir cuál era la verdadera conexión que tenían las niñas y la naturaleza real de su relación, pero solo diré que si tienes sentimientos el epílogo debería dejarte llorando en el suelo como un bebe, o al menos hacer que te corra una lágrima.

Marnie es un hermoso último regalo, no será un film tan famoso o recordado por la gran mayoría como el grueso de sus otras películas hermanas, pero al menos es un cierre más que correcto, y emocionalmente poderoso que merece al menos ser visionado una vez siquiera. Y sirve además como un “adiós y hasta siempre” para 3 décadas de obras maestras entregándonos un mundo más alegre, luminoso y refrescante.

8/10

Descarga: Cuando Marnie estuvo ahí   (pass: monox1987)

Domo Arigato Gozaimasu, Studio Ghibli.
1985 - 2014
Oyasumi nasai.



martes, 23 de febrero de 2016

Conversaciones Superheroicas x Ñoño Cool Vol.2


CONVERSACIONES SUPERHERÓICAS X ÑOÑO COOL VOL. 2

- ¡Que bien que aceptases patrullar otra vez conmigo Dick! Las noches se hacen aburridas aquí solo.

- No hay problema, necesitaba alejarme de Batman un tiempo, ya me tiene asfixiado con su actitud desde que descubrió a sus fanboys de internet, ahora todo es "porque soy Batman esto" "por que soy Batman aquello", incluso mandó a hacer un retrato gigante de Frank Miller en la mansión... y yo creía que Jason era el petulante.

- No Dick, ya te digo... estos patrullajes se vuelven muy aburridos, hay como 30 nuevos tipos con "Spider-" en el nombre por ahí, pero normalmente se juntan entre ellos y me dejan fuera; incluso Daredevil ya no se junta conmigo desde que le pedí que viésemos Breaking Bad juntos, tampoco quiso hacer maratón de Game of Thrones, Hannibal, The Walking Dead ni nada, es como si no le gustara ver televisión o algo por el estilo

- En la mansión solo Alfred ve el televisor grande, pero siempre son capítulos de "Lo que callamos las mujeres" o "La Rosa de Guadalupe" Por eso prefiero salir de ahí, no te imaginas el espectáculo.

- Además, no solo eres el único que acepta patrullar conmigo todas estas veces, sino creo que eres el único que me entiende... digo, has escuchado la frase "un gran poder conlleva...."

- ¿Una gran sensualidad? ¿Y latex apegado al cuerpo?

- ¡LO SABÍA! Sabía que podías comprender eso

- ¿Acaso creen que las mallas apretadas son un traje de superheroe práctico?

- ¡Claro que no! ¡es para lucir sexy ante las cámaras!

- Si te contara todas las veces que las mujeres han abusado de mi cuando estaba indefenso, ellas están obsesionadas con mi trasero, alguna gente incluso le han puesto nombre a mis glúteos ¡las atraigo como moscas!

- Mujeres... si... no hombres en sus 30 que viven en la casa de sus padres y se la pasan en el internet haciendo memes sexys de ti todo el tiempo y aplicando la regla 34... solo mujeres...

- ¿Qué?

- Digo, ¿a qué villanos vamos a apalear esta noche?

- Creo que el Hombre Planta y Killer Frost hicieron un team-up para conquistar al mundo.

- No vayas ahí...

- ¿Por qué? Porque uno quiere cubrir al mundo de vegetación y el otro congelarlo por completo y sus misiones son incompatibles?

- No... porque esa es la trama de "Batman & Robin", y todavía estoy tratando de olvidar esa película... Bruce cayó en bati-depresión después de eso, ¿Sabes cuánto tiempo tuvo que pasar antes que Killer Croc o el Espantapájaros dejasen de hablar de la Batitarjeta de crédito? ¡El Joker hasta el día de hoy nos dice "Batipezones"!

- Te entiendo... en Spider-Man 3 me hicieron bailarín emo y luego en Amazing 2 tenían que tocar la muerte de Gwen Stacy... no saben cuanto dolió eso, y aún más verlo en el cine

- ¿Por un nuevo recuerdo de tu mayor fracaso?

- Diablos no, fue porque estaba interpretada por Ema Stone y ella es muy, muy sexy ¿digo has visto sus ojos?... bueno, no por nada nos conocimos en las reuniones del grupo de apoyo SMC (Superhéroes Malinterpretados en el Cine).

- Es penosa esa situación, Hal apenas y puede contenerse de matar a los villanos en batalla cuando alguno se pasa de listo y grita ¡Ryan Reynolds! en el medio del combate.... al menos el tarado de Deadpool se lo llevó para que lo interprete y le pagará en chimichangas.

- Hablando de comida... después de partirles la cara a esos tipos ¿quieres salir a comer algo?

- ¿Tengo que pagar todo nuevamente yo como las 6 veces pasadas?

- No es mi culpa que en Marvel me hagan millonario en los comics y yo no vea ni medio centavo de ganancias...  debo renegociar mejor mis contratos. Digo Sony y el MCU se pelean por mis derechos como locos y ahora saldré junto con los Vengadores ¿pero alguien me preguntó a mi si quiero seguir siendo saliendo en la pantalla grande? Y cada vez me tocan actores más y más jovenes, me hacen sentir viejo :( aunque claro, Marvel en los comics me han tenido tener entre 20 y 30 años por 5 décadas ya. Al menos la Tía May está feliz que la pongan tan sexy

- Ok, ok no es necesario que digas tanto, si no tienes dinero, no tienes dinero... yo invito... por 6ta vez.




Espadas del Dolor (Crossover)

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Este es el gran Crossover de la Editorial Dynamite del año 2015, con un equipo de guionistas femeninas lideradas por Gail Simone, juntando a las más importantes heroínas y villanas de este Universo.

Este Evento reúne a Red Sonja con otros famosos personajes femeninos de Dynamite y Chaos! Comics, incluyendo a Dejah Thoris, Vampirella, Lady Rawhide, Jennifer Blood, Masquerade, Jungle Girl, Kato, Miss Fury, Jane Porter, Irene Adler, Pantha y varias otras más.

Todas ellas están siendo amenazadas por un mal que acerca sus mundos a la destrucción. Los únicos objetos que pueden salvar sus realidades son las legendarias Espadas del Dolor.

Idioma: Español.
Editorial: Dynamite
Año: 2015
Guion: Mairghread Scott, Gail Simone, Varios
Dibujo: Mirka Andolfo, Sergio Davila, Varios
Tradumaquetadores: NeoD & Sword & Descargas69 
Archivos:
21   
Formato: CBR   
Tamaño: 612 Mb
 
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